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Neos | INSTRUMENTOS | SIGLOS XX Y XXI (1 CD)

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17,95 €

Hermann Keller
Schumann Metamorphoses y Sonatas para piano


REF.: NEOS 11041
EAN 13: 4260063110412
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FECHA DE PUBLICACIÓN
31/12/2010

INTÉRPRETES

Hermann Keller, piano
Antje Messerschmidt, violín



CONTENIDO

Hermann Keller (1945):

[01] Keimblätter Schumann-Metamorphosen für Klavier (2001) 14:22
Hermann Keller, piano

[02] Schumann-Metamorphosen für Violine und Klavier (1996) 16:38
Antje Messerschmidt, violin
Hermann Keller, piano

2. Sonate für Klavier (2001) 23:14
[03] I. 06:53
[04] II. Perpetuum mobile 05:07
[05] III. Elegie 02:53
[06] IV. Introduktion 02:10
[07] V. Rondo 06:11
Tomas Bächli, piano

3. Sonate für Klavier (2008) 17:53
[08] I. 04:30
[09] II. 01:54
[10] III. 04:40
[11] IV. 02:09
[12] V. 01:12
[13] VI. 03:28

World Premiere Recordings

1 CD - DDD - 72'08''


RESEÑA (La Quinta de Mahler)

Hermann Keller demuestra en estos dos monográficos que le dedica el sello Neos una exacerbada pasión por despertar muchos de los posibles universos tímbricos que subyacen ocultos en el instrumentario tradicional, en especial el piano, aplicándose en la investigación de sonoridades no completamente originales, quizá, pero que el músico nos hace pasar por tales gracias a su sensibilidad para el color, la elaboración armónica, el matiz dinámico. Así consigue ofrecer unos marcos sonoros de enigmática belleza: enigmática, sí, puesto que sus búsquedas tienen que ver con la extracción de auténticas vetas de refinamiento acústico que se reorganizan en el ánimo del oyente a manera de floraciones oníricas, como pasajes plagados de gamas cromáticas y formaciones inestables, imperando siempre el gusto por el detalle, un juego de gran sutileza con los contrastes tonales y rítmicos y una solidez constructiva que integra a la vez espontaneidad e improvisación.

Sin duda una de las piezas más destacadas e ilustradoras del arte del compositor es el Concierto para piano y trece instrumentistas que abre el primer compacto, un trabajo de orfebrería musical suministrado por el propio Keller al piano y el Ensemble Chronophonie. Siguiendo la estela de Henry Cowell y John Cage, pero a partir de concepciones personales, el autor demuestra que el piano preparado sigue constituyendo para la música de hoy el ámbito de la fascinación y la poesía sonora, y también una herramienta provilegiada para el ataque a los sentidos y la pulsión destructiva. Ese arco es el que sigue la presente pieza, con ese singular hechizo acústico desplegados en sus movimientos iniciales para ir progresivamente enrevesando su discurso, violentándolo de manera brutal con clusters a base de mazazos sobre las teclas, rápidos glissandi de las cuerdas o el martilleo de maderas y batería. Una mezcla de delicadeza y violencia, de luminosidad y oscuridad, que recuerda a algunas obras de George Crumb aunque en clave más grotesca e irónica, y exigente de un elevado desempeño interpretativo.

La Sonata para trío de cuerdas y piano, con todos los instrumentos preparados, hace fluir por su parte un continuo de texturas, breves estallidos y golpeteos de las cuerdas con varillas, gestando una arquitectura volátil de armonías apenas apuntadas por el piano aunque de fuerte atracción para el oído, mientras Escena para trombón puede entenderse como investigación de las sonoridades secretas del instrumento, a cargo de un Matthias Jann que recurre al aliento y a la respiración como sutiles elementos de trabajo. El disco termina con una potente confrontación titulada Escenas para unA violinista y unA pianista, aludiendo a su concepción original para dos intérpretes femeninas; los constantes recovecos de sus seis secciones, donde cada parte va inicialmente por su lado para establecer luego ariscos diálogos, dinamizan una voluntad de liberación energética, por momentos orgiástica, y un impulso al goce sonoro tan agresivo como teatral.

La obsesión de Hermann Keller por la producción teclística de Robert Schumann se advierte en dos de las composiciones reunidas en el segundo de los discos comentados. Se trata de Keimblätter para piano y Schumann-Metamorphosen para violín y piano, que aún  citando oblicuamente sus materiales schumanianos remiten, por el eco de sus modulaciones formales y patrones rítmicos, al espacio musical del Romanticismo. No obstante, las características de la música de Keller siguen aquí máximamente operativas, derivando hacia el reino del cluster, de la cadencia nocturnal atravesada por inesperadas ráfagas de intensidad y el humor equívoco cualquier tendencia al clasicismo. Tendencia hipotética y que aparece aún más desvanecida en Sonata para piano nº 3 (para dos instrumentos afinados con un cuarto de tono de diferencia), que Keller construye a partir de ricas secuencias microinterválicas para piano preparado, alternancia de tonos mayores y menores y una febril contundencia final.

Antón Piedrahita Tirado

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Hermann Keller no desdeña la partitura pero extrae de sus improvisaciones al piano verdaderos hallazgos que dormitaban en el limbo sonoro. La premisa fundamental de su labor creativa es que el artista debe servirse necesariamente de contradicciones que confieran autenticidad y vivacidad a su producción. El empleo de técnicas cuidadosamente estudiadas, la extracción de facetas siempre nuevas, la entrega a una profunda investigación de los materiales, de sus sonoridades originarias, del contexto en que surgen o de los diferentes modos de elaboración constituyen algunas de las virtudes del trabajo de Keller. Al igual, por otra parte, que el intento de expresar tensiones mediante la tarea compositiva, tensiones de mayor y menor por ejemplo o de ritmos entrecruzados a la manera de Schumann, así como por el recurso al rico catálogo de prácticas sonoras europeas y extraeuropeas.

En vano el oyente intentará encontrar relaciones con Schumann en esta pieza de desarrollo tan inconstante y sin embargo extremadamente lógico. Con todo, Keller explora diversos materiales situados en la periferia y más allá de ciertas estructuras de la música pianística del autor romántico. Keimblätter describe así algunos ritmos muy marcados, determinadas estructuras internas y modelos figurativos (Carnaval n° 8), percibiéndose por lo demás distintos modos de articulación y sutilezas melódicas à la Schumann. La primera parte expone un acorde de tres sonidos que parece sobrevolar a lo largo de la pieza, sin llegar verdaderamente a plasmarse, hasta su extinción final. Al principio, con cierta ingenuidad, este acorde se ve enriquecido, cromatizado y convertido en disonante para caer pronto en el terreno del piano preparado (Partes 2 y 3).

El Adagio, Parte 4, citará literalmente -será la única ocasión en que lo haga– cuatro notas del propio Schumann, del Carnaval nº 8, "Réplica" (siendo el n° 3 "Sphinxes" (Esfinges), con su motivo de base puntuado al órgano que aquí no se toca). Las notas aparecen de tres formas distintas: tocadas con las teclas, punteadas y amortiguadas. La Parte 6 presenta una especie de juego de acordes a partir de registros y timbres variados, ofreciendo la Parte 7 figuras virtuosísticas que se disolverán en racimos de notas y de sonoridades individualizadas. Una fórmula de conclusión característicamente schumaniana cierra por lo demás, de manera sorprendente, la Parte 8. Mientras, la Parte 11 despliega por vez primera esos célebres contrarritmos de Schumann (cf., el intermezzo presto "Paganini" de Carnaval n° 16  o las Partes 13 y 15, donde la pulsación alcanza su apogeo).

Keller se ha referido a ello en términos de “ritmos cruzados”. La Parte 14, rebosante de contrastes, evoca un pasaje dodecafónico. La Parte 16 lleva los matices inestables alrededor del acorde inicial de tres sonidos hacia una crisis definitiva por medio de los más brutales ataques de cluster. Por el contrario, la apariencia de belleza quedará definitivamente superada en el final por medio de las sonoridades de unos clusters en fff, violentamente arrancados al piano ayudándose el intérprete de sus antebrazos.

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